Interpretare l’arte con la luce: L’illuminazione museale tra oggettività ed iperrealismo

Ogni tipo di illuminazione museale comunica un diverso punto di vista concettuale dell’arte. Anche le sale espositive che appaiono neutre, nelle quali penetra una luce diurna diffusa o le cui le pareti illuminate uniformemente trasmettono una sensazione di calma, sono il frutto di una precisa scelta del curatore. Lo stesso vale per l’uso esteso dell’illuminazione d’accento, che mette in mostra l’arte come una successione di singole opere. Ma spesso la scelta di interpretare l’arte con la luce è il risultato di un lungo percorso che coinvolge gli interessi più diversi. L’architetto richiede un riconoscimento per la propria opera edilizia, il curatore vuole trasmettere un messaggio sull’intera collezione, il collezionista che concede l’opera in prestito desidera che sia dotata di una determinata estetica e l’artista chiede infine un’adeguata presentazione della sua singola opera. A ciò si aggiunge la presenza di diverse generazioni di visitatori, il cui interesse per l’arte può crescere o venir meno con una presentazione molto espressiva.

Con la luce gli espositori dispongono di un mezzo efficace per definire l’atmosfera per la ricezione del messaggio artistico, creando una drammaturgia per la sua ricezione e contribuendo a determinare il successo di un’esposizione. Per questo tutti i soggetti coinvolti si pongono la domanda su quali criteri adottare per realizzare un concept illuminotecnico adeguato: Riprodurre l’atmosfera luminosa presente nei quadri? O la luce del luogo in cui l’opera è stata creata? E qual è la soluzione migliore per valorizzare oggi un’arte realizzata alla luce delle candele?

Il propagarsi di nuove forme artistiche e di diversi ideali estetici si rispecchia nella ricezione dell’arte e nel cambiamento dei concept espositivi. La varietà delle presentazioni dell’arte con l’impiego della luce spazia da un’atmosfera concreta e sobria per una ricezione oggettiva, fino all’iperrealismo o alle scenografie dinamiche, nelle quali si celebra l’incontro con i beni artistici come un evento. Come criteri nella selezione di un concept illuminotecnico si possono individuare tre punti di vista: 1. Contenuti delle opere, 2. Aspetti formali del mezzo visivo e 3. L’ambiente spaziale e temporale, nel quale l’opera è stata realizzata. Mediante l’analisi della luminosità, del contrasto e dell’atmosfera luminosa dell’opera, l’espositore può scegliere di realizzare un tipo di illuminazione simile per l’ambiente ed il quadro in esposizione, ad esempio con un’illuminazione d’accento densa di contrasti per sottolineare il chiaroscuro. Se si considera la grandezza del quadro e della cornice, si può concepire anche un’illuminazione che ne assecondi l’approccio estetico, ad esempio un’illuminazione uniforme di tutta la parete per dei grandi dipinti minimalisti o un’illuminazione d’accento a fascio stretto per i ritratti di piccolo formato con importanti cornici storiche. Anche dall’epoca e dall’ambiente in cui è stata realizzata l’opera – ossia dalla luce diurna nella natura o da quella delle candele negli atelier – si possono determinare la temperatura colore ed il tipo di illuminazione adatti. Nell’allestimento dell’illuminazione una delle domande da porre per una presentazione autentica diventa allora se nel suo tempo l’artista abbia percepito l’opera in questo stesso modo mentre la realizzava, o se il concept illuminotecnico in questione non possa rappresentare una falsificazione del messaggio trasmesso con l’opera, o se la soluzione luminosa non distolga l’osservatore dalla ricezione del messaggio artistico.

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