Exposition « Framing Light » : comment l'art se transforme avec la lumière.

Mon installation au Royaume-Uni, fin 2024, après l'obtention d'un visa Global Talent en tant qu'artiste, a commencé par deux mois à la Xenia Artist Retreat dans le Hampshire. Arpenter les champs et m'immerger dans le paysage local m'a donné une nouvelle compréhension de la tradition paysagère anglaise, en particulier de l'œuvre de Constable et de Turner – cette lumière, ces couleurs et ces subtilités uniques si manifestes dans leurs peintures et leurs études, aussi bien à l'huile qu'à l'aquarelle.

Ces deux peintres, qui ont révolutionné la peinture de paysage et ouvert la voie à tant d'artistes après eux, ont exercé une influence considérable sur ma pratique à ses débuts. Ils m'ont encouragé à sortir et à étudier mon propre environnement : la Méditerranée. De 2012 à 2022, j'ai travaillé sans relâche, souvent au jour le jour, sur les falaises surplombant la Méditerranée, en apprenant sa physicalité, sa lumière et ses couleurs singulières.

J'aime décrire les English (Hampshire) Suites comme « l'ode d'un peintre méditerranéen à la tradition paysagère britannique ». Cette série m'a offert l'occasion de travailler dans une harmonie différente de celle de la Méditerranée, qui est mon chez-moi, ou de l'Atlantique, que j'ai découvert grâce à mon épouse, originaire du Brésil. La lumière britannique possède une harmonie très différente de celles de l'Atlantique et de la Méditerranée. Le soleil y est bien moins intense, et le paysage est souvent dominé par les nuages, les gris et les violets, aux côtés des verts moussus et des bruns terreux de la terre.

Lorsque j'ai découvert l'éclairage ERCO doté de la technologie Tunable White, ma première pensée a été que c'était l'avenir de l'éclairage des espaces d'exposition et des galeries. Quiconque s'intéresse à l'histoire de l'art et à la biographie des artistes sait à quel point la lumière et la géographie de leur lieu de vie peuvent influencer leur pratique. Songez à la lumière hollandaise de Rembrandt et de Vermeer, à Cézanne et Matisse voyageant vers le sud de l'Europe en quête de lumière méditerranéenne, ou encore au soleil de Californie qu'ont connu Diebenkorn et les peintres de la Bay Area. Ce ne sont là que quelques exemples de la façon dont la lumière s'inscrit physiquement dans l'expérience et le langage visuel d'un artiste.

Travailler avec ERCO sur ce projet, en recourant à l'éclairage Tunable White, nous a permis de découvrir mes œuvres comme celles de Hodgkin sous une lumière changeante, d'un 3200K chaleureux jusqu'à 5000K. D'une certaine manière, cela simule l'évolution des conditions extérieures que vit un artiste lorsqu'il travaille dans le paysage, ou la lumière changeante qui pénètre par la fenêtre de l'atelier.

La lumière plus chaude accentue les couleurs chaudes des œuvres – roses, violets et tons terreux – tandis que la lumière plus froide met davantage en valeur les bleus et les autres teintes froides. Ce qui est particulièrement remarquable avec l'éclairage d'ERCO, c'est que le CRI demeure si élevé tout au long du cycle. La qualité et l'intégrité des couleurs restent exceptionnelles, et la lumière changeante ne fait que porter au premier plan différents moments et différentes œuvres, tout en préservant toujours la qualité et l'harmonie générales de l'ensemble.

Pour les artistes, la lumière est ce que l'acoustique est aux musiciens. C'est la matière physique et pourtant invisible qui permet à notre travail de révéler sa richesse, sa profondeur, ses nuances et ses subtilités. La collaboration avec ERCO a renforcé ma conscience de l'ampleur des progrès réalisés par la technologie d'éclairage des œuvres. En tant que peintre, ma lumière préférée restera toujours la lumière naturelle, qu'il est si rare de pouvoir obtenir dans les espaces d'exposition.

Découvrir un éclairage d'une telle qualité, qui peut en outre être ajusté selon les besoins spécifiques d'une série précise, voire d'une œuvre singulière, m'a ouvert l'esprit aux possibilités dont nous disposons aujourd'hui. Cela peut transformer non seulement ma façon d'envisager la présentation de mon propre travail, mais aussi, plus largement, les possibilités offertes aux galeries et aux institutions, en permettant à chaque exposition et à chaque expérience de contemplation de devenir aussi singulière et juste que possible.

Je crois que le meilleur éclairage d'exposition doit être presque imperceptible — si naturel et organique qu'on n'y pense pas, pour rester entièrement concentré sur l'expérience de l'art lui-même.

La collaboration avec ERCO nous a donné la possibilité d'aller plus loin dans cette démarche. Même si l'éclairage se modifie et évolue tout au long de l'exposition, il le fait au service de l'expérience du regard. L'évolution de la lumière invite, je l'espère, le public à ralentir, à regarder de plus près et à être attentif.

Voici deux artistes qui traitent tous deux la lumière comme un sujet dans leur travail, mais de façons très différentes. La lumière d'Adam Leef semble finement observée et étudiée, se déployant lentement, tandis que la réponse de Howard Hodgkin paraît presque instantanée et spontanée. Hodgkin a bien sûr consacré énormément de temps à perfectionner sa technique pour atteindre cette impression de spontanéité, mais c'est en définitive cette immédiateté que nous ressentons en tant que spectateurs.

Réunir les deux artistes nous permet d'envisager non seulement les différentes manières dont la lumière peut être représentée et perçue, mais aussi les réponses émotionnelles qu'elle peut faire naître en nous. Le contraste entre la longue observation de Leef et l'immédiateté expressive de Hodgkin est devenu le point de départ de l'exposition.

Les artistes ont une longue et riche histoire d'exploration de la lumière, et cette exposition s'inscrit pleinement dans cette tradition, tout en l'abordant sous un angle résolument britannique. Leef choisit de célébrer la lumière britannique, souvent considérée comme inférieure, par exemple, à la lumière éclatante de la Méditerranée dont il est originaire. Ici, sa variabilité et sa subtilité deviennent sa force.

Il existe aussi, bien sûr, un précédent d'artistes qui ont renoncé entièrement à la toile. Dans le travail de Dan Flavin ou de James Turrell, la lumière elle-même devient le médium, et notre réponse à l'environnement qu'elle crée devient le sujet.

Éclairer une exposition fait déjà partie intégrante du travail du commissaire. La collaboration avec ERCO m'a donné l'occasion de porter au premier plan cet élément habituellement invisible de ma pratique et de le mettre en mouvement, en créant un environnement changeant dans lequel aller à la rencontre de l'art. En ce sens, la lumière ne se contente plus d'éclairer l'exposition : elle devient partie intégrante de son récit curatorial.

Les commissaires et les artistes, comme toute personne travaillant dans un domaine créatif, devraient toujours rester dynamiques, en quête de nouvelles propositions et ouverts à de nouvelles formes de collaboration. Je suis enthousiasmée par ce que le Tunable Lighting d'ERCO peut offrir aux commissaires, qui construisent essentiellement un récit à travers lequel les visiteurs découvrent une exposition.

L'éclairage joue un rôle considérable dans la réussite de la transmission de ce récit. La possibilité de rendre la lumière elle-même malléable, en lui permettant d'évoluer, de réagir et de participer à la narration, ouvre de passionnantes perspectives pour la conception d'expositions ambitieuses. Plutôt que de se contenter d'éclairer les œuvres, la lumière peut contribuer à façonner l'atmosphère, l'émotion et la manière dont un visiteur traverse un espace et y réagit. Pour moi, cela s'apparente à une nouvelle et passionnante voie de recherche curatoriale, qui mérite d'être explorée bien davantage.