Mostra «Framing Light»: come l'arte cambia con la luce

Il mio trasferimento nel Regno Unito alla fine del 2024, dopo aver ottenuto un Global Talent visa come artista, è iniziato con due mesi al Xenia Artist Retreat nell'Hampshire. Camminare tra i campi e immergermi nel paesaggio locale mi ha dato una nuova comprensione della tradizione paesaggistica inglese, in particolare dell'opera di Constable e Turner: la luce, i colori e le sfumature uniche così evidenti nei loro dipinti e studi, sia a olio sia ad acquerello.

Questi due pittori, che hanno rivoluzionato la pittura di paesaggio e aperto la strada a tanti artisti successivi, hanno avuto un'influenza enorme sulla mia pratica agli esordi. Mi hanno spinto a uscire e a studiare ciò che mi circondava: il Mediterraneo. Dal 2012 al 2022 ho lavorato ininterrottamente, spesso giorno dopo giorno, sulle scogliere affacciate sul Mediterraneo, imparandone la fisicità, la luce e i colori unici.

Mi piace descrivere le English (Hampshire) Suites come «l'ode di un pittore mediterraneo alla tradizione paesaggistica britannica». Questa serie mi ha dato l'opportunità di lavorare all'interno di un'armonia diversa da quella del Mediterraneo, che è la mia casa, o dell'Atlantico, che ho conosciuto attraverso mia moglie, originaria del Brasile. La luce britannica possiede un'armonia molto diversa sia da quella atlantica sia da quella mediterranea. Il sole ha un'intensità assai minore e il paesaggio è spesso dominato da nuvole, grigi e viola, accanto ai verdi muschio e ai bruni terrosi della terra.

Quando ho conosciuto per la prima volta l'illuminazione ERCO con tecnologia Tunable White, il mio pensiero immediato è stato che questo è il futuro dell'illuminazione degli spazi espositivi e delle gallerie. Chiunque si interessi di storia dell'arte e delle biografie degli artisti sa quanto profondamente la luce e la geografia dei luoghi possano influenzarne la pratica. Pensate alla luce olandese di Rembrandt e Vermeer, a Cézanne e Matisse che viaggiavano verso l'Europa meridionale in cerca della luce mediterranea, o al sole della California vissuto da Diebenkorn e dai pittori della Bay Area. Sono solo alcuni esempi di come la luce si radichi fisicamente nell'esperienza e nel linguaggio visivo di un artista.

Lavorare con ERCO a questo progetto, utilizzando l'illuminazione Tunable White, ci ha permesso di vivere sia le mie opere sia quelle di Hodgkin sotto una luce mutevole, dai caldi 3200K fino ai 5000K. In un certo senso simula il mutare delle condizioni all'aperto che un artista sperimenta mentre lavora nel paesaggio, o il cambiare della luce che filtra dalla finestra dello studio.

La luce più calda accentua i colori più caldi delle opere – rosa, viola e tonalità terrose – mentre la luce più fredda dà maggiore risalto ai blu e agli altri toni freddi. Ciò che è particolarmente straordinario dell'illuminazione ERCO è che l'indice CRI resta così elevato per tutto il ciclo. La qualità e l'integrità dei colori rimangono eccezionali, mentre la luce mutevole porta semplicemente in primo piano momenti e opere differenti, mantenendo sempre la qualità e l'armonia generale dell'insieme.

Per gli artisti la luce è ciò che l'acustica rappresenta per i musicisti. È quella materia fisica eppure invisibile che consente alla nostra opera di rivelare la propria ricchezza, profondità, le proprie sfumature e sottigliezze. La collaborazione con ERCO ha rafforzato la mia considerazione per quanto si sia evoluta la tecnologia di illuminazione per l'arte. Da pittore, la mia luce preferita sarà sempre quella naturale, che tanto raramente è possibile avere negli spazi espositivi.

Sperimentare un'illuminazione di così alta qualità, che può anche essere regolata in base alle esigenze specifiche di una particolare serie, o persino di una singola opera, mi ha aperto la mente alle possibilità di cui disponiamo oggi. Può cambiare non solo il modo in cui penso alla presentazione del mio stesso lavoro, ma anche le possibilità per gallerie e istituzioni in senso più ampio, permettendo a ogni mostra e a ogni esperienza di visione di diventare il più possibile individuale e precisa.

Credo che la migliore illuminazione espositiva debba essere quasi impercettibile: così naturale e organica da non farti pensare a essa, lasciandoti invece completamente concentrato sull'esperienza dell'arte stessa.

La collaborazione con ERCO ci ha dato la possibilità di portare quella premessa oltre. Anche se l'illuminazione si sposta e cambia nel corso della mostra, lo fa al servizio dell'esperienza dell'osservare. Mi auguro che la luce mutevole incoraggi il pubblico a rallentare, a guardare più da vicino e a prestare attenzione.

Qui abbiamo due artisti che trattano entrambi la luce come soggetto del proprio lavoro, ma in modi molto diversi. La luce di Adam Leef appare osservata e studiata da vicino, si dispiega lentamente, mentre la risposta di Howard Hodgkin sembra quasi istantanea e spontanea. Naturalmente Hodgkin ha dedicato moltissimo tempo a perfezionare la propria tecnica per raggiungere quel senso di spontaneità, ma quell'immediatezza è in ultima analisi ciò che noi, in quanto osservatori, percepiamo.

Accostare i due artisti ci permette di considerare non solo i diversi modi in cui la luce può essere rappresentata e percepita, ma anche le risposte emotive che è in grado di suscitare in noi. Il contrasto tra la lunga osservazione di Leef e l'immediatezza espressiva di Hodgkin è diventato il punto di partenza della mostra.

Esiste una ricca storia di artisti che hanno esplorato la luce, e questa mostra è ampiamente sostenuta da quella tradizione, pur osservandola da una prospettiva particolarmente britannica. Leef sceglie di celebrare la luce britannica, che è stata spesso considerata in qualche modo inferiore, ad esempio, alla luce brillante del Mediterraneo, da dove lui proviene. Qui la sua mutevolezza e la sua sottigliezza diventano il suo punto di forza.

C'è naturalmente anche un precedente di artisti che eliminano del tutto la tela. Nelle opere di Dan Flavin o James Turrell la luce stessa diventa il mezzo, e la nostra risposta all'ambiente che essa crea diventa il soggetto.

Illuminare una mostra è già parte intrinseca del lavoro del curatore. Collaborare con ERCO mi ha dato l'opportunità di portare in primo piano quell'elemento normalmente invisibile della mia pratica e di metterlo in movimento, creando un ambiente mutevole in cui incontrare l'arte. In questo senso la luce non si limita più a illuminare la mostra, ma diventa parte della sua narrazione curatoriale.

I curatori e gli artisti, e chiunque lavori in ambito creativo, dovrebbero rimanere sempre dinamici, alla ricerca di nuove proposte e aperti a nuove forme di collaborazione. Mi entusiasma ciò che il Tunable Lighting di ERCO può offrire ai curatori, che essenzialmente costruiscono una narrazione attraverso la quale i visitatori vivono una mostra.

L'illuminazione è enormemente importante per la riuscita con cui quella narrazione viene trasmessa. La possibilità di rendere la luce stessa malleabile, permettendole di spostarsi, di rispondere e di diventare parte del racconto, apre nuove ed entusiasmanti possibilità per una progettazione espositiva seria. Anziché limitarsi a illuminare l'arte, la luce può contribuire a plasmare l'atmosfera, l'emozione e il modo in cui un visitatore si muove all'interno di uno spazio e vi risponde. Per me questa appare come un'entusiasmante nuova linea di ricerca curatoriale, che merita di essere esplorata molto più a fondo.